La prima guerra mondiale scatenò grande suggestione sulla fantasia degli autori, basti pensare alla Leggenda del Piave, scritta da Ermete Giovanni Gaeta con lo pseudonimo di E. A. Mario, che contribuì non poco a ridare morale alle truppe italiane, al punto che il generale Armando Diaz inviò un telegramma all’autore nel quale sosteneva che aveva giovato alla riscossa nazionale più di quanto avesse potuto fare lui stesso: «La vostra canzone al fronte è più di un generale». Nel Dopoguerra questo brano aiutò a dimenticare le atrocità del conflitto, le sofferenze e i lutti. Al contrario di canzoni come O Gorizia tu sei maledetta, tra i più famosi canti di protesta contro la guerra, scritta l’indomani della Battaglia di Gorizia (9 agosto 1916) che costò la vita a oltre cinquantamila soldati italiani. Dicono che, durante la guerra, chi la cantava poteva essere accusato di disfattismo e condannato: sotto accusa era la strofa «traditori signori ufficiali/che la guerra l’avete voluta/scannatori di carne venduta/e rovina della gioventù».

Negli anni Venti, grazie alla diffusione della radio e del grammofono, si cominciò ad ascoltare canzoni straniere e lo stesso cinema sonoro contribuì a favorire la conoscenza di nuovi stili musicali. Questo fino all’avvento del fascismo quando il duce, che condusse una politica di tipo nazionalistico anche in campo musicale, ostacolò il più possibile la diffusione delle canzoni straniere. Negli anni Trenta, con la crescita della cultura fascista, le canzoni dovevano trasmettere l’idea di un’Italia senza problemi, dove si viveva senza preoccupazioni, paure e incertezze per il futuro. I temi prevalenti, oltre all’amore, sono la campagna, la città di Roma e la guerra coloniale. Le canzoni coloniali irridevano sempre il popolo sottomesso e il suo sovrano, enfatizzavano la bellezza delle zone conquistate, inneggiavano al nazionalismo («Faccetta nera, sarai romana/la tua bandiera sarà sol quella italiana! ») e mostravano l’esercito italiano non come invasore ma come benemeriti soccorritori di «chi giammai conobbe libertà». Queste canzoni fecero subito presa sui giovani dei quartieri periferici delle grandi città o dei piccoli centri agricoli, perché in tutte le canzoni dell’epoca fascista è sempre presente un’esplicita contrapposizione tra la campagna e la città: la prima equivale all’alba, alla salute fisica, mentale e morale; la città alla lussuria, alla delusione, alla perdizione, alle insidie della notte. A incoraggiare gli autori verso tali argomenti è lo stesso il ministero della Cultura Popolare. Era noto, infatti, il sentimento di favore che Mussolini provava nei confronti del mondo agricolo, cui fa da contraltare l’avversione per la città, fonte di corruzione morale e di crescita culturale, potenzialmente pericolosa per il regime: «Se vuoi goder la vita, torna al tuo paesello/che è assai più bello della città» (Se vuoi goder la vita, 1940).

Due canzoni molto popolari, e apparentemente innocue, ebbero qualche problema con la censura fascista entrando nell’elenco di “canzoni della fronda”: Crapa pelada, scritta da Gorni Kramer (nella foto), e Maramao perché sei morto. Nella prima, a parte la ritmica in odore di jazz, genere messo all’indice dal regime perché «negroide e americaneggiante», la calvizie dello sbeffeggiato protagonista pareva proprio alludere alla “crapa pelata” di Benito Mussolini e la vicenda di spartizioni di tortelli e frittata era letta come una metafora della spartizione di territori coloniali da parte delle potenze europee, lasciando le briciole all’Italia. Il caso di Maramao perché sei morto, pubblicata poche settimane dopo la morte di Costanzo Ciano, livornese, presidente della Camera dei Fasci e padre del ministro degli esteri e genero di Mussolini Gian Galeazzo, scoppiò quando a Livorno si trovarono scritti i versi della canzone sulla base della lapide a lui dedicata. (1-continua)

Coca Cola Doveva essere una semplice variazione del “vino di coca”, una bevanda digestiva in uso alla fine dell’Ottocento, invece il farmacista americano John Stith Pemberton, miscelando alcuni nuovi ingredienti, ha inventato la bibita più bevuta al mondo. Era il 1886, da allora la Coca Cola ha cominciato a dissetare il mondo intero: oggi la Coca Cola detiene il 50 per cento del mercato delle bibite, e solo negli Stati Uniti se ne bevono 125 milioni di litri di ogni anno. Nome e logo sono invece opera del contabile dell’azienda che pone solo alcuni piccole modifiche al carattere Spencerian Script uno tra più comuni e utilizzati del tempo. Le mitiche bottigliette di vetro, tonde e sinuose, sono invece comparse più tardi, nel 1916, e sono ispirate alle “curve” dell’attrice Mae West che indossava sempre abiti molto aderenti.

Finalmente qualcuno si è accorto di loro. E, come si fa con le cose importanti, vengono celebrati in una mostra. Stiamo parlando di loghi, o più comunemente “marchi”, semplici fregi, segni, disegni e immagini che hanno fatto non solo la storia dell’imprenditoria, ma anche quella d’Italia e che ci hanno accompagnato per tutto il Novecento, esposti a Castel Sant’Angelo, a Roma, all’interno della mostra Loghi d’Italia. Storie dell’arte di eccellere, fino al 25 gennaio. Alcuni loghi sono diventati famosi grazie a Carosello, alcuni per i testimonial, altri ancora per l’estrema creatività o un design particolarmente azzeccato, fatto sta che ciascuno di loro nasconde un segreto, sia esso industriale o personale, o una storia grazie alla quale l’oggetto o l’azienda, reclamizzata è stato trasformato in mito. La mostra, curata dall’architetto Cornelia Bujin per Innovarte, si propone come una narrazione, viva e interattiva, delle commistioni tra il mondo artistico-culturale e le principali aziende italiane, e abbraccia opere e i contributi artistici più disparati, dal lungometraggio di Bertolucci al documentario di Antonioni, dai Caroselli di Armando Testa agli interventi artistici di Wahrol e Dalì, dalle affiches di Depero, Dudovich e Carboni ai versi di D’Annunzio, Marinetti, Pasolini, dai progetti architettonici di Cucinella e Fuksas alle sculture di Palladino, senza dimenticare il design, con Sapper, Zanuso e Superstudio e molti altri. E così, visitando l’esposizione, si scopre che la “fortuna” della Buitoni dipende soprattutto da Federico Seneca, artista futurista che, nel 1929, s’inventò l’immagine del bambino estasiato davanti un piatto di pastina glutinata. Tre sono le sezioni che compongono la mostra: Storia di loghi, suddivisa in quattro aree tematiche, impresa e comunicazione, impresa e design, impresa e innovazione, impresa e arte; Storie di nomi, nel quale il mondo delle aziende italiane è raccontato attraverso le figure dei loro imprenditori, e Luoghi d’amore, dove l’attenzione si concentra in quei luoghi e territori nei quali si sono sviluppate le eccellenze del Made in Italy. A proposito d’amore, merita di essere raccontata la storia di com’è nato il Bacio Perugina: dietro al nome e al logo c’è una love story travagliata, che ha tra i protagonisti Luisa Sargenti e suo marito Annibale Spagnoli e la famiglia Buitoni. I coniugi Spagnoli, assieme ai due figli Maria e Aldo, nel 1907 erano proprietari della Perugina, piccola azienda dolciaria con quindici dipendenti. L’anno dopo entra in società anche Francesco Buitoni, che porta con sé il figlio Giovanni. Tutto procede bene fino all’arrivo della Guerra, periodo in cui Luisa si ritrova sola a mandare avanti l’azienda. Terminata la guerra Annibale, per contrasti con i Buitoni, lascia; la moglie no.

Dietro a questa scelta si cela la grande passione tra Luisa e Giovanni Buitoni, di 14 anni più giovane di lei; un legame celebrato dall’invenzione di Luisa, un cioccolatino tondeggiante, farcito con gianduia, granella e nocciola che in un primo tempo avrebbe dovuto chiamarsi “cazzotto” e che invece Giovanni, in onore alla donna amata, ribattezzò semplicemente “Bacio Perugina”. Poi chiamò Seneca, dicendogli che , per quel nuovo cioccolatino, voleva qualcosa di speciale. L’artista rielaborò così l’immagine de “Il bacio”, quadro di Francesco Hayez, su sfondo blu ed ebbe l’intuizione di inserire in ciascuna confezione del cioccolatino, il bigliettino con le frasi d’amore. E il Bacio Perugina è passato indenne attraverso la storia.